Главное отличие глупца от мудреца заключается в том, что первый не видит своей глупости, а второй только и видит, что делает глупости.

Уильям Блейк

Уильям Блейк – английский поэт, художник и гравёр. Почти непризнанный при жизни, Блейк в настоящее время считается важной фигурой в истории поэзии и изобразительного искусства романтической эпохи. Его смело можно считать первым символистом, и родоначальником этого направления, художником, предвосхитившем это направление, получившего широкое распространение в конце XIX начале XX веков.

Уильям Блейк родился 27 ноября 1757 года в лондонском Сохо. Уильям был третьим из шести детей у своих родителей – владельца галантерейной лавочки Джеймса Блейка и его жены Кэтрин. У них родился ещё один многообещающий художник – Роберт, любимый младший брат поэта. Дети получали домашнее образование. Уильям Блейк по этому поводу написал: «Слава Богу, меня никогда не отправляли в школу».

Уильяма воспитывала его мать Кэтрин Блейк, которая рано заметила выдающиеся способности ребенка к рисованию, и поэтому в 9 лет его отдали в художественную школу Генри Парса. Через 5 лет Уильям занялся гравюрой и изучал тонкости граверного мастерства ещё 7 лет. В это время Уильям Блейк занимался копированием средневековых рукописных книг, хранящихся в Вестминстерском аббатстве. Работы Рафаэля, Микеланджело, Мартена ван Хемскера и Альбрехта Дюрера явились для него примером для подражания и послужили основой для его дальнейшего творчества.

В 1779 году Блейк поступил в Королевскую академию художеств, но из-за сложных отношений с Джошуа Рейнолдсом, который тогда занимал пост президента, Блейк ушел из нее.

В 24 года Блейк женился на безграмотной дочери зеленщика Кэтрин, которая была очень хороша собой. Женился он вопреки воли его отца. Блейк занялся образованием своей жены, и впоследствии она стала помогать ему в его творчестве и переплетала издаваемые им книги. Семья жила очень бедно, у них не было детей. Книги Уильяма не пользовались спросом, и лишь к концу жизни Блейка, издаваемые им книги за хорошие деньги стал приобретать поклонник его творчества Томас Баттс.

Ньютон чертит на свитке, как бы является проецируя, фигуры из своей головы.

Уильям Блейк умер 12 августа 1827 года в Лондоне от воспаления желчного пузыря. Перед смертью он прошептал, что «видит перед собой раскрывшиеся небеса»

Кэтрин пережила своего мужа на 4 года.

«Потерянный рай» Джона Мильтона

Уильям Блейк иллюстрировал «Потерянный рай» Джона Мильтона. Иллюстрации демонстрируют его собственное отношение к тексту, его осмысление. Известно о трех наборах иллюстраций к «Потерянному раю» Джона Мильтона: набор Томаса, набор Баттса и набор Линнелла.

В каждом из наборов «Потерянного рая» по двенадцать пластин , по одной для каждой книги в стихотворении. В то время как на некоторых, таких как «Сатана», «Грех и смерть: сатана приходит к вратам ада», изображены определенные сцены из Библии, на других таких как «Сатана наблюдает за нежностями Адама и Евы», представлено объединение нескольких сцен.

Набор Butts

«Божественная комедия» Данте

В 1826 году Блейк с помощью Джона Линнелла, английского портретиста, пейзажиста и гравера, получает заказ на создание серии гравюр к «Божественной комедии» Данте. Но до 1827 года Блейку не удалось реализовать свой амбициозный проект, завершёнными остались только 7 пробных оттисков и несколько акварелек. Но даже они заслуживают непомерного восхищения.

Поскольку «Божественная комедия» Данте Алигьери — это очень сложный текст, даже талантливо выполненные Блейком акварельные иллюстрации к нему, являются одной из вершин творчества художника.

Иллюстрации Блейка к поэме не являются буквальными, они, скорее, заставляют пересмотреть текст Данте предлагая новое видение духовных и моральных сторон произведения.

Замысел Блейка не совсем понятен потомкам, поскольку проекту так и не было суждено завершиться. Некоторые исследователи творчества Блейка считают, что его иллюстрации бросают вызов тексту, который сопровождают, спорят с ним, опровергая мнение автора. Возможно, Блейк не разделял и восхищения Данте поэзией древних греков, а также черного юмора некоторых песен поэмы, который он считал неуместным.

Блейк разделял недоверие Данте к материализму и протест против развращённой природы власти. Он получал большое удовольствие, имея возможность визуализировать гениальный текст Данте, пропустив его через своё восприятие.

Даже предчувствие Блейком приближающейся смерти не заставило его отказаться от проекта, которым он был полностью поглощён.

Блейк об отношении к любви и браку

Фронтиспис к «Песне Лоса».
Его поэзия утверждает, что требования внешнего мира о железной верности превращают любовь из привязанности в обязанность. Такое стихотворение как «Ответ Земли» словно пропагандируют полигамию. В стихотворении «Лондон» он описывает «Брачный катафалк». «Видения Дочерей Альбиона» — дань свободной любви, где отношения между Бромионом и Утуной, по его мнению, держатся на законе, а не любви. Для Блейка Любовь и закон — взаимоисключающие друг друга вещи, он выступает против «замерзшего любовного ложа». В «Видениях» Блейк пишет:

…она, которая пылает молодостью, и не знает лучшей доли,
прикована проклятием закона к тому, которого не выносит. Должна ли она тащить цепи своей жизни в утомительной страсти?
«Видения» Уильяма БлейкаЛос входит в пещеру. 1804–1820 гг. Йельский центр британского искусства (Йельский университет), Нью-Хейвен, Коннектикут, США

Великий красный дракон и жена, облаченная в солнце

Рисунок «Великий красный дракон и жена, облаченная в солнце» послужил идеей романа Томаса Харриса, а также фильма, снятого по его роману «Красный дракон» Брэттом Рэтнером в 2002 году. Этот фильм является приквеллом к нашумевшему «Молчанию ягнят». В обоих фильмах главную роль играет Сэр Энтони Хопкинс.

Сценарий фильма «Красный дракон» следующий: на спине у маньяка, серийного преступника, убивающего целые семьи, имеется татуировка, изображающая некое крылатое существо. Красный дракон, изображенный на татуировке, овладевает разумом владельца татуировки и заставляет его идти на самые страшные преступления.

Человек пытается избавиться от власти демона — он проникает в библиотеку и пытается там уничтожить рисунок Уильяма Блейка «Великий красный дракон и жена, облаченная в солнце», на котором изображено такое же красное чудовище. У изображенного Блейком существа мускулистые человеческие ноги, извитой хвост, как у варана, и мощные распростертые крылья, напоминающие крылья гигантской летучей мыши. Голова дракона украшена извитыми рогами, а справа и слева заметны неясные очертания ещё двух голов. У его ног находится фигура женщины с развивающимися золотистыми волосами и руками, сложенными для молитвы.

Более подробно можно рассмотреть детали на другом рисунке Блейка «Большой красный дракон и зверь из моря». На этом рисунке видно, что у чудовища семь человеческих голов.

Исследователей заинтересовал вопрос, откуда у Блейка возник яркий и необычный образ этой химеры и является ли эта картина лишь плодом буйной фантазии художника?

Нарисованный Блейком дракон — это прямая иллюстрация к текстам Апокалипсиса.

С 1805 года по 1810 год Блейк сделал более ста иллюстраций к Библии. Среди них несколько иллюстраций было посвящено концу света, предрекаемому Апокалипсисом. Название картины «Великий красный дракон и жена, облаченная в солнце» является прямой цитатой из книги Нового Завета: «И явилось на небе великое знамение, жена, обличенная в солнце… И другое знамение явилось на небе: вот большой красный дракон с 7 головами и 10 рогами. И на головах его 7 диадем. Хвост его увлек с неба третью часть звезд и поверг их на небо. Дракон сий стал перед женой, которой предстояло родить, дабы, когда она родит, пожрать его младенца». Блейк изобразил мрачное пророчество достаточно точно. Теологи предлагают воспринимать тексты предсказаний иносказательно: венец из 12 звёзд — 12 колен Израиля или же 12 апостолов, 10 рогов — это сила дракона, направленная против 10 заповедей.

Блейка с детства преследовали видения. В 10 лет он увидел ангелов, сидящих на дереве. После смерти своего младшего брата Роберта, который скончался 1787 году от чахотки, Уильям заметил его радостную сияющую душу, которая возносится к небесам. Впоследствии Блейк рассказывал, что его покойный брат явился к нему во сне, чтобы дать совет, как печатать стихи и иллюстрации к ним с одной и той же гравировальной пластины Эту технику Блейк впоследствии назвал иллюминированной печатью.

Число зверя 666.
Блейк как символист одним из первых, среди английских живописцев, изобразил не то, что видит глаз, а то, что рождено умом и фантазией.

Блейк был был сильно недооценен при жизни, и в XIX веке, после его смерти также не был широко известен. В XX веке творчество художника вышло на мировой уровень. Крупные выставки его работ неоднократно проходили в Лондоне, а также в Филадельфии, Париже, Антверпене, Цюрихе, Гамбурге, Нью-Хейвене, Торонто, Токио, Барселоне, Мадриде и Нью-Йорке. Влияние литературных трудов Блейка прослеживается у таких авторов, как Уильям Батлер Йейтс, Бернард Шоу, Дэвид Лоуренс и других. Его работы вдохновили многих композиторов, сочиняющих как классическую, так и популярную музыку.

Джон Уильям Уотерхаус родился в Риме 6 апреля 1849 года. Точная дата его рождения неизвестна, он был крещен 6 апреля, а более поздний исследователь работ Уотерхауса Питер Триппи полагал, что он родился между 1 и 23 января. Его родители Уильям и Изабелла Уотерхаус были известными художниками.

В том же 1849 году члены Братства прерафаэлитов, возглавляемого Данте Габриэлем Россетти (туда входили Джон Эверетт Милле, Уильям Холмана Ханта и другие художники), впервые заявили о себе и тем самым вызвали недовольство, своим творчеством нарушив устои традиционной викторианской Англии. Их течение оживило художественный мир Лондона.

В 2018 году был скандал, связанной с одной из  картин Джона Уильяма Уотерхауса   «Гилас и нимфы». Эта картина была снята с экспозиции и удалена из зала выставки «В погоне за красотой», происходившей в Художественной галерее Манчестера, на которой экспонировались картины прерафаэлитов. Картины, представленные на на этой выставке, куратор современного искусства Клэр Ганнауэй назвала «очень старомодными» из-за изображения женщин как «либо пассивных красивых объектов, либо роковых женщин». 

На месте удаленной картины появилось множество стикеров, подобных приведенному ниже, выражающих возмущение от акта цензурирования произведений искусства под давлением радикального феминизма и движения MeToo. 

Картину всё же удалось вернуть в экспозицию под общественным давлением, тем не менее ханжество некоторых деятелей, администрирующих искусство в XXI веке, превосходит ханжество, царившее в викторианскую эпоху, в которой жил и творил Джон Уильям Уотерхаус. 

 Еще одна картина вызвала возмущение ханжески настроенной публики в ХХI веке. На картине «Святая Евлалия» изображена тринадцатилетняя Евлалия. Девочка изображена полуобнаженной, и это вызывает вопросы у некоторых ханжески настроенных наших современников. 

Вернусь к биографии художника.

Джон рос в творческой семье, поэтому в доме его родителей часто бывали другие художники, поэты и музыканты. 

Сама атмосфера Рима, его архитектура, скульптурные памятники, величественные фонтаны, придавала городу особый флёр, навевая творческую атмосферу.

Все эти факторы, повлиявшие на творческое развитие  Джона, обусловили особый, определенный стиль его творчества. Ближе всего его стиль соответствует позднему прерафаэлитизму. Но Уотерхаус формально никогда не принадлежал к этому течению.

Через пять лет, в 1854 году, семья Уотерхаусов вернулась в Лондон после проживания в Италии. Они переехали в недавно построенный дом в Южном Кенсингтоне, в Лондоне, недалеко от недавно основанного Музея Виктории и Альберта.

Родные и близкие друзья часто называли мальчика «Нино». Поскольку Джон Уильям рос в семье художников, для него было естественным рисовать с самого детства, первые свои уроки он получил от матери и отца. Он делал наброски произведений искусства, которые экспонировались в Британском музее и Национальной галерее в Лондоне. Он многому научился у отца, помогая ему в работе.

В 1871 году Джон поступил в школу Королевской академии художеств, сначала для изучения скульптуры, а затем он поменял направление и стал заниматься живописью.

Ранние работы Уотерхауса были скорее в духе классицизма, чем  прерафаэлитизма. Тогда у него ещё не было своего уникального узнаваемого почерка, и он скорее подражал модным в то время художникам, таким как сэр Лоуренс Альма-Тадем. Его картина «Гипноз и его брат Танатос», выставленная ​​на летней выставке Королевской академии, имела успех, после этого Уотерхаус регулярно выставлялся на ежегодной выставке вплоть до 1916 года, пропустив лишь 1890 и 1915 года.

В 1883 году Уотерхаус женился на Эстер Кенуорти, дочери учителя художественной школы из Илинга. Эстер выставляла свои картины с изображениями цветов в Королевской академии.

За время брака они потеряли двоих детей.

В 1895 году Уотерхаус был избран действительным членом академии художеств. Он преподавал в Художественной школе Сент-Джонс Вуд, вступил в Клуб искусств там же и работал в Совете Королевской академии.

Джон Уотерхаус развил свой собственный стиль, он сочетал элементы классицизма и романтизма, в его картинах фантазия переплеталась с реальностью.

Джона Уотерхауса всё время тянуло в свою любимую солнечную Италию, в которой он родился. И он неоднократно ездил туда за вдохновением.

Работы этого периода ясно показывают интерес живописца к темам прерафаэлитизма, темами его картин являются изображения трагических моментов в судьбах властных женщин («Цирцея Инвидиоза», «Клеопатра», «Цирцея, завлекающая Одиссея», другие). Также работы этого периода показывают интерес художника  к пленэру.

С начала XX столетия Уотерхаус принимает активное участие во многих общественных организациях деятелей искусства Великобритании.

Художник рисовал до последнего дня, несмотря на то, что у него было диагностировано тяжелое смертельное заболевание, сопровождающееся сильными болями.

Джон Уотерхаус скончался от онкологического заболевания 10 февраля 1917 года, похоронен в Лондоне на кладбище Kensal Green.

О его личной жизни практически ничего не известно, сохранилось лишь несколько писем. И о его натурщицах, и о взаимоотношениях художника с ними, также очень мало известно. На некоторых полотнах можно узнать черты одной и той же модели. Недавно исследователи творчества этого художника искусствоведы Кен и Кэти Бейкер идентифицировали её личность. Это мисс Мюриэл Фостер, которая позировала для  образов Миранды, Изольды, Психеи и некоторых других. Она впервые появляется на картине «Гилас и нимфы», причём, все нимфы имеют лицо Мюриэл. 

Несмотря на то, что у художника была репутация хорошего семьянина, так необходимая для успеха в ханжескую викторианскую эпоху, возможно, что отношения Джона и Мюриэл продолжались на протяжении всей жизни художника. После смерти художника Мюриэл больше никому не позировала. Она работала медсестрой и не так и не вышла замуж, умерла она в 1969 году в Окленде, в возрасте 91 года.

В июне 2006 года картина «Святая Цецилия» была продана на аукционе «Кристис» фонду Ллойда Веббера за 6,6 млн. фунтов стерлингов.

«У меня упорное желание изобразить сцены и типы этого столетия. Стремление к грубым наслаждениям, материальные заботы, мелочные интересы — все это наложило на большинство лиц современников зловещую маску. Мне это кажется весьма забавным…».

Фелисьен Ропс

Фелисьен Виктор Джозеф Ропс  — бельгийский график, иллюстратор и живописец, мастер литографии и офорта. Он является  ярким представителем символизма конца ХІХ века.

Ропс родился в Намюре 7 июля 1833 года. Он получил образование в университете Брюсселя.  После его окончания работал карикатуристом,  делал карикатуры и скетчи на жанровые темы в духе Домье и Гаварни. Тогда же посещал художественную мастерскую Святого Луки в Брюсселе.

В 1865 году переехал во Францию, где остальную часть жизни  работал. Он дружил с художниками Эдуаром Мане и Эдгаром Дега. На его творчество повлияли такие художники как Гюстав Курбе, и Анри де Тулуз-Лотрек.

 Он создал эротические рисунки и офорты, которые вызвали скандалы среди его современников. При этом они были оценены по достоинству такими людьми как Альфред де Мюссе, Теофиль Готье и Стефан Малларме. Со временем, его творчество приобрело философский характер. В работах появились мистические мотивы и некий скептицизм.

Фелисьен Ропс  получил известность в первую очередь благодаря своим графическим работам. Они и составляют большую часть его художественного наследия, осталось более 2000 его работ, около 1000 находятся в музее его имени в его родном городе Намюре, в Бельгии. 

На  творчество Ропса сильно повлияли его взгляды и философско-мистические воззрения. Он был вольным каменщиком, членом масонского тайного общества ложи «Великий восток Бельгии». Его отношение к религии, образы Сатаны и Бога преломляются через призму масонских учений, и он анатомирует религиозные чувства, срывая с основных символов веры вуаль сакральности.

Его воззрения перекрывались с литературными течениями того времени, и он нередко иллюстрировал их, самые известные среди них — «Цветы зла» Шарля Бодлера. 

Порождением всеобщего зла он считал женщину — прекрасную и порочную одновременно, несущую в себе сатанинское начало. Его работы отличались необычной смелостью, Ропс ярко высвечивал и высмеивал человеческие пороки и устои окружающего его буржуазного общества второй половины XIX века. 

В  работах Ропса присутствует смешение тем секса, веры, смерти, фатума, бесовских проделок. 

К 1892 году зрение художника сильно ухудшилось. Он умер 22 августа 1898 года в возрасте 65 лет в Брюсселе.

Архип Иванович Куинджи родился в 1842 году в семье бедного греческого сапожника в Мариуполе (ныне Донецкая область Украины). В разных документах художника указаны разные даты его рождения от 1840 до 1843 года. В самом раннем документе, который выдала Мариупольская городская управа, указан 1842 год.

Рано лишившись родителей,  он был взят на воспитание родственниками, дядьями и тетками по отцовской линии. Куинджи обучался греческой грамматике у учителя-грека, позже посещал занятия в городском училище.

Мальчик очень любил рисовать и для этого использовал любую подворачивающуюся ему поверхность: обрывки бумаги, заборы и стены.

Архипу приходилось с раннего детства наниматься на неквалифицированную работу. Он даже пас гусей, помогал булочнику и служил у подрядчика.

Хлеботорговец, заметив художественный талант юноши, посоветовал ему поехать в Крым и поступить в ученики к Ивану Айвазовскому. Юноша дошел в Феодосию пешком и пробыл там все лето. Но Айвазовский к таланту юного 14-и летнего Куинджи относился несерьезно, и использовал юношу только для подсобных работ, таких как приготовление красок, он доверял Архипу лишь покраску забора. Возможно, великий маринист уже тогда понял истинный талант Куинджи, но, позавидовав ему, решил не помогать мальчику и не продвигать его.

Первые уроки живописи Архип Куинджи получил от Адольфа Фесслера, молодого родственника Айвазовского который в то время гостил у живописца.

Вернувшись из Феодосии, начинающий художник стал работать в фотостудиях ретушером — сначала в Мариуполе, затем в Одессе, а в 1860-е годы — в Таганроге.

В 1865 году Архип Куинджи поехал в Санкт-Петербург для поступления в Академию художеств. Два года подряд его не брали. На третий год он поступил вольнослушателем после создания картины “Татарская сакля в Крыму” (она не сохранилась).

В Академии художеств Куинджи познакомился с Ильей Репиным, Иваном Крамским и другими передвижниками. Увлеченный их идеями, в 1870-е годы Куинджи создал мрачноватые полотна «Осенняя распутица», «Забытая деревня», «Чумацкий тракт в Мариуполе». На них повлияли основные принципы передвижников, которые без прикрас показывали и неприглядную окружающую действительность.

На выставках картины имели большой успех, после «Осенней распутицы» Куинджи получил звание классного художника.  Сначала художник увлеченно учился, но как только к нему пришла слава, он забросил обучение

Молодой художник Куинджи часто проводил лето на острове Валаам на Ладожском озере,  после свадьбы в 1875 году он привез туда свою молодую супругу Веру Кетчерджи. Остров был для художника источником вдохновения. Природе Валаама посвящено множество полотен, рисунков и этюдов. Наиболее известны пейзажи «На острове Валааме» и «Ладожское озеро». О картине «На острове Валааме» Илья Репин говорил: «Всем она ужасно нравится, и еще не дальше как сегодня заходил ко мне Крамской — он от нее в восторге». Это полотно стало первой работой Куинджи, которую приобрел Павел Третьяков для своей коллекции. Haval H5 в кредит от 1,9%Новый Haval H5 в кредит от 7 594 ₽/мес. Скидки до 639 600 руб. + 3 платежа в подарок!carso.ruПолучитьООО «РЕНН ТРЕЙД» Подробная информация о банках и услугах на сайте: https://carso.ru/creditРеклама

В 1883 году художник-маринист Руфин Судковский написал полотно «Мертвый штиль», после чего Куинджи обвинил его в плагиате своей картины «Ладожское озеро». Разразился громкий скандал. В эту историю вмешались другие художники — одни были на стороне Судковского, другие утверждали, что его работа «прямо заимствована» у Куинджи. Творческое сообщество, естественно, оставило победу за Архипом Куинджи.  

В 1875 году Куинджи приняли в Товарищество передвижников. На ежегодной выставке он представил картину «Степи», а через год — полотно «Украинская ночь». Темный пейзаж со светящимися под луной украинскими хатками приводил публику в восторг. Эта работа стала началом «романтического периода» творчества Куинджи.

В 1878 году живописец участвовал во Всемирной выставке в Париже. Самобытный стиль его полотен отметили многие французские критики. К концу 1879 года Куинджи окончательно разорвал отношения с передвижниками.

В 1880 году Куинджи устроил в своей мастерской выставку одной картины — «Лунная ночь на Днепре». Чтобы эффектно преподнести полотно, художник плотно задрапировал окна в выставочном зале и осветил картину лучом электрического света.  Когда художник организовывал выставки своих картин, то он всегда тщательно продумывал, под каким углом их выставить, чтобы свет падал под нужным ему углом. Выставляя свое полотно «Лунная ночь на Днепре» (1880), художник устроил целый перформанс. Он направил на него луч электрического света, от чего картина заиграла новыми красками.
Умелый колорист Куинджи сумел придать лунному свету необычайную реалистичность. Чтобы увидеть картину, посетители выстраивались в очередь, некоторые заглядывали за полотно — искали там источник дополнительного света. «Лунную ночь на Днепре» мечтали купить многие коллекционеры, но Куинджи продал картину великому князю Константину Константиновичу, который отправился с ней в кругосветное путешествие.

Художник выставлял свои работы еще на нескольких выставках, а на пике славы стал затворником. Он продолжал работать, но двадцать лет никому не показывал свои полотна. За эти годы он создал примерно 500 эскизов и полноценных живописных полотен и около 300 графических работ.

Художник уделял особое внимание передаче цветовых оттенков на картинах. Он пользовался асфальтовыми красками, которые со временем темнели. Именно поэтому Архип Куинджи много лет работал над созданием новых красок. Художник относился к живописи настолько серьезно, что начинающим художникам он советовал спать с альбомом и карандашом для достижения успехов в обучении рисованию.

В 1890-е годы Куинджи руководил пейзажной мастерской Высшего художественного училища при Академии художеств. В летние месяцы художник возил учеников в Крым в свое небольшое имение Сара Кикенеиз, где они проходили летнюю практику на пленэре.  Архип Куинджи не отказывал никому в обучении, вспоминая свою неудачную практику у Айвазовского.

Среди  учеников  Куинджи можно отменить Николая Рериха. В 1901 году Куинджи впервые за много лет показал своим воспитанникам, а затем и некоторым друзьям новые картины — «Вечер на Украине», «Христос в Гефсиманском саду» и авторский список картины «Березовая роща». В ноябре Куинджи устроил свою последнюю публичную выставку, после которой никто не видел новых работ живописца до самой его смерти.

Архип Куинджи умер в июле 1910 года. Весь свой капитал он завещал Обществу имени Куинджи, которое основал в 1908 году вместе с пейзажистом Константином Крыжицким для поддержки художников. На его могиле на Смоленском православном кладбище установили бронзовый бюст и надгробие по проекту архитектора Алексея Щусева. В 1952 году прах художника и надгробие перенесли на Тихвинское кладбище Александро-Невской лавры.

Септики “Евролос”Узнайте свою скидку на автономную канализацию “Евролос”, для дома и дачиmsk.septovik.ruЗаказатьООО МАНЬКО, ОГРН 1205000117706, г. Солнечногорск, д. Голубое, кв-л Кмжз Мелодия Леса, д. 8Реклама

О творчестве знаменитого пейзажиста Архипа Куинджи в свое время говорили, что его картины на выставках затмевают все остальное. Благодаря неповторимой авторской манере исполнения и оригинальным перформансам на выставках, художник получил широкую известность и признание своих коллег.

Вечером 27 января 2019 года в Инженерном корпусе Третьяковской галереи, где с 6 октября 2018 года проходила выставка Архипа Куинджи, произошла кража. Неизвестный одетый в форму сотрудника музея, подошёл к картине «Ай-Петри. Крым», вынул её из рамы и удалился вместе с ней. Сделал он это так уверенно, что посетители решили, что это работник музея, и забили тревогу лишь через несколько минут. Замешательство позволило посетителю скрыться. Картина «Ай-Петри. Крым» была предоставлена Русским музеем. Всего на выставке экспонировалось 180 картин, но посетитель выбрал одну из лучших картин небольшого формата. Я была на этой выставке, и сфотографировала и картину, и подпись к ней.

Картины Куинджи появляются на арт-рынке крайне редко. Он считается очень дорогим автор. Профессионалам был хорошо знаком крымский пейзаж «Ай-Петри», картина  конца XIX века — начала XX, масло, небольшой, а вернее сказать, кабинетный формат: в сантиметрах 39 на 53. И странное совпадение — кражу совершили 27 января 2019 года, это был день рождения художника пейзажиста Архипа Куинджи, ему в тот день исполнилось 177 лет.

«Если бы абстрактно такого размера вещь, этих годов была бы на рынке, то такая работа могла бы стоить порядка трех миллионов долларов», — заявил  арт-эксперт  Кирилл Алексеев.

Он считает, что вряд ли ее похищали с целью продажи, экспонат — слишком броская вещь даже для черного рынка, поскольку картина принадлежит Русскому музею. Эксперт предположил, что похищение – выполнение чьего-то заказа.

План похищения был очень дерзким и напоминал таковой из знаменитого советского фильма «Старики-разбойники». Мужчина снял ее прямо во время выставки и покинул помещение Третьяковки. Но у героев Никулина и Евстигнеева было больше реквизита (лестница и  ножницы), сигнализацию они отключили.

Как обошли все меры безопасности преступники, похитившие полотно в Третьяковке не ясно, к тому же непонятно насколько хорошо была организована безопасность картин  на выставке,.

«Большинство удачных краж производится тем манером, который совершил этот преступник, никакая сигнализация вас не спасет. В Роттердаме была кража, когда в течение полутора минут были украдены вещи. Когда украли “Мону Лизу” в начале XX века в Лувре — сходным манером человек снял с рамы произведение и вынес его», — пояснил Кирилл Алексеев.

Картину удалось вернуть.